 |
Albrecht
Dürer alle Scuderie del Quirinale
Scuderie
del Quirinale
Visita
guidata per i Soci di Palladio organizzata per domenica 22 aprile 2007
ore 16.15 |
|
Pochi
artisti al mondo meritano un posto così eminente nella storia
dell'arte come Albrecht Dürer (Norimberga 1471-1528). Creatore
infaticabile e incarnazione quintessenziale dell'anima tedesca, ossessionato
dalle regole, dalla precisione, dalla matematica come dal mistero degli
astri e degli oroscopi. Artista
inquieto, vitale, rigoroso ma anche fortemente visionario, affascinato
dalla natura e dall'animo umano, dalla religione e dall'impegno civile,
è un vero uomo "universale" dalla vita complessa ed
esemplare.Non
c'è forma d'arte della sua epoca su cui non si sia cimentato.
Superbo rappresentante del Rinascimento, la cui grandezza non fu mai
messa in dubbio, ci ha lasciato un numero notevole di opere: dipinti,
incisioni, xilografie, più di mille disegni e tre libri stampati
sulla geometria, le fortificazioni e la teoria delle proporzioni umane.La
mostra delle Scuderie del Quirinale, Dürer e l'Italia, a cura di
Kristina Herrmann Fiore, indaga per la prima volta in modo organico
e approfondito i complessi rapporti tra questo artista straordinario
e il nostro paese, all'insegna di una influenza reciproca e duratura.
Raccontando,
da un lato, quanto Dürer abbia riflettuto sulla grande arte italiana
e quanto ne abbia recepito (in un confronto fra dipinti del grande maestro
di Norimberga e opere di Mantegna, Giovanni Bellini, Pollaiolo, Leonardo,
Agostino da Lodi, Lorenzo di Credi ...), dall'altro rintracciando il
suo influsso su artisti come Pontormo, Raffaello, i Carracci, Caravaggio
e i caravaggeschi fino a Domenico Fetti e Carlo Maratta. La
mostra nasce in collaborazione con il Polo Museale Romano e con il Polo
Museale Fiorentino e, in particolare, con la Galleria degli Uffizi e
il Gabinetto delle Stampe e dei Disegni degli Uffizi. Proverranno da
quest'ultimo, infatti, tutta una serie di incisioni e disegni di Dürer
appartenenti alle collezioni medicee, mentre la Galleria degli Uffizi
presta alle Scuderie del Quirinale - in via del tutto eccezionale -
tutte le opere di Dürer in suo possesso fra cui la significativa
e commovente Adorazione dei Magi, appositamente restaurata per l'occasione,
il ritratto di Albrecht Dürer il Vecchio oltre che quelli degli
apostoli Giacomo e Filippo. Altre
opere di Dürer giungeranno dai principali musei tedeschi, da Vienna,
da Washington, da Madrid e da Londra, oltre che da tutte le collezioni
italiane.
Il
Gabinetto dei Disegni e delle Stampe degli Uffizi ospiterà nello
stesso periodo la mostra Albrecht Dürer. Originali, copie, derivazioni
a cura di Giovanni Maria Fara in sintonia e a complemento della mostra
delle Scuderie del Quirinale. |
| |
| |
| <
informazioni |
| <
Ingresso in mostra senza fila |
| <
App.to
in piazza del Quirinale all'obelisco |
| <
Prenotazione obbligatoria |
|
<
Quota
Euro 19.00 |
|
|
| <
Posti disponibili |
|
|
| |
|
|
| |
|
|
|
| |
|
 |
Annibale
Carracci al Chiostro del Bramante
Chiostro
del Bramante
Visita
guidata per i Soci di Palladio organizzata per domenica 4 febbraio 2007
ore 16.00 |
| |
Nella
odierna piena rivalutazione dell’arte del Seicento spetta finalmente
anche ad Annibale Carracci (1560 – 1609), che per secoli ne è
stato considerato il maggior rappresentante, l’attenzione specifica
di una mostra monografica. Sotto l’Alto Patronato del Presidente
della Repubblica Italiana, promossa dal Comune di Bologna – Cultura
e rapporti con l’Università, dal Consorzio Università
– Città di Bologna, dalla Fondazione del Monte di Bologna
e Ravenna e dal Comune di Roma, con il patrocinio del Ministero per
i Beni e le Attività Culturali, la Regione Emilia Romagna e la
Provincia di Bologna, la mostra, a cura di Daniele Benati e di Eugenio
Riccòmini, vanta un prestigioso comitato scientifico che si avvale
dei più autorevoli studiosi internazionali dell’opera di
Annibale. E’ questa la prima esposizione dedicata esclusivamente
al più giovane e più dotato dei tre Carracci, celebrato
dai suoi contemporanei come il nuovo Raffaello, autore di dipinti e
disegni fin da subito straordinariamente ammirati per novità
di invenzione e felicità di esecuzione, eretti a modello da generazioni
di artisti e oggetto di culto già dal Seicento nelle maggiori
collezioni europee.
Sebbene un momento essenziale della riscoperta della pittura seicentesca
fu proprio nella grande mostra bolognese del 1956 dedicata ai tre Carracci,
nella vicenda critica che ha accompagnato la riabilitazione di quella
stagione Annibale è stato letto come l’antagonista di Caravaggio:
risultato tanto più paradossale in quanto proprio Annibale Carracci
fu uno dei pittori contemporanei più stimati da Caravaggio, nonché
uno dei suoi principali interlocutori (e non soltanto nell’impresa
comune della Cappella Cerasi in Santa Maria del Popolo a Roma), in un
dialogo serratissimo che sarà carico di conseguenze per la cultura
artistica dell’intero secolo e oltre. Giunge così finalmente
anche per Annibale il risarcimento di una mostra che, ricostruendone
il percorso compiuto dagli anni della giovinezza a Bologna fino alla
maturità a Roma, permetterà di apprezzare per intero la
straordinaria varietà e ricchezza della sua opera: i ricercatissimi
disegni (dagli schizzi ‘dal naturale’ di sconcertante immediatezza
agli studi preparatori per i grandi cicli ad affresco tra i quali spiccano
i celeberrimi disegni per la Galleria Farnese con cui prenderà
avvio la grande decorazione barocca), le incisioni, la gamma eccezionalmente
ampia di dipinti, dai soggetti di genere ‘basso’ alle pale
d’altare, dai ritratti ai paesaggi. Fu infatti merito esclusivo
di Annibale, come videro i suoi primi estimatori, il trattare i generi
diversi della pittura, che proprio in quegli anni a cavallo tra Cinque
e Seicento si venivano definendo con nuova nettezza – i soggetti
‘alti’ di storia sacra e mitologica, il paesaggio il ritratto,
la caricatura, i soggetti ‘bassi’ di ambito feriale –
con accenti stilistici diversi, come allora si chiedeva, introducendo
novità fondamentali. Infine alcuni filmati permetteranno di effettuare
un percorso virtuale degli affreschi che l’artista ha realizzato
in Palazzo Fava, in palazzo Magnani e in Palazzo Sampieri a Bologna,
nonchè in Palazzo Farnese a Roma. Quest’ampia selezione
di opere proviene dai più importanti musei d’Italia e del
mondo, quali il Louvre di Parigi, la Gemaldegalerie di Dresda, la National
Gallery di Londra, il Museo del Prado di Madrid, il Metropolitan Museum
di New York, la National Gallery di Washington, l’Ermitage di
San Pietroburgo…Come scrisse il grandissimo conoscitore dei suoi
tempi, Giulio Mancini, che gli fu amico, Annibale fu pittore universale,
sacro, profano, ridicolo e e grave, ed è appunto in questa molteplicità
di linguaggi, di generi e di stili trattati, che risiede la modernità
di Annibale Carracci.
Trattare soggetti diversi con stili diversi, unificando in un linguaggio
comune i vari accenti caratteristici delle diverse scuole pittoriche
tipiche delle diverse aree geografiche, la veneta, la lombarda, la toscana,
la romana, come distinse il suo interlocutore privilegiato e primo critico,
Giovanni Battista Agucchi: fu questo obiettivo, perseguito con impressionante
tenacia per tutta la vita, a fare di Annibale Carracci il pittore che
più di ogni altro dopo Raffaello possiamo dire ‘italiano’.
E’
una definizione che avrebbe trovato concordi i suoi primi sostenitori,
che negli anni del pontificato di Clemente VIII Aldobrandini lavorarono
nei diversi ambiti della lingua, della geografia, della storiografia,
della politica, alla costruzione di una cultura ‘italiana’
tesa a riunire le distinte specificità regionali in un progetto
nazionale concepito tra Bologna e Roma proprio negli ambienti frequentati
dai Carracci.
In questo contesto è oggi possibile riscoprire il ruolo principe
di Annibale Carracci nella storia della pittura italiana, tornando a
riunire insieme, per la prima volta, nelle due sedi della mostra a Bologna
e a Roma, l’Annibale ‘bolognese’ e l’Annibale
‘romano’, ovvero il pittore del colore lombardo dei soggetti
umili e il pittore del disegno romano e dei temi aulici - quelle che
sono state percepite in seguito come anime disgiunte e che furono invece
le molteplici facce della sua unitaria, straordinaria ricerca. Al Mangiafagioli
della Galleria Colonna di Roma che può essere assunto a manifesto
del moderno realismo, si affiancano così capolavori di diverso
genere come la Deposizione della Pinacoteca di Parma, lo struggente
Autoritratto con i famigliari della Pinacoteca di Brera a Milano, le
atletiche Figure mitologiche del Museo di Capodimonte a Napoli o l’emozionante
Pianto delle Marie della National Gallery di Londra.
|
|
Chagall
al Museo del Vittoriano
Museo
del Vittoriano
Visita
guidata per i Soci di Palladio organizzata per domenica 11 marzo 2007
ore 16.30 |
| |
Le
favole surreali e visionarie di Marc Chagall, nate dall’incrocio
delle tradizioni popolari russe con i riti ebraici, incanteranno i
visitatori della grande mostra che sarà dedicata a Chagall
dal 9 marzo al 1 luglio 2007 al Complesso del Vittoriano. La mostra
raccoglierà circa 150 opere dell’artista russo, tra dipinti,
gouaches, disegni, sculture e incisioni, che evidenzieranno come Chagall,
sia stato un pittore tra i più carichi di cultura e di tradizione
del ‘900.Chagall
con la sua pittura rappresenta un mondo magico ispirato dalla cultura
popolare russa e dalla religione ebraica. Tra i soggetti più
ricorrenti figurano il mistero della nascita, le nozze nel villaggio,
la vita dei contadini, i rabbini e le feste ebraiche. Le sue prime
opere sono dedicate alla sua città natale; usa dei colori intensi
e cupi da creare delle atmosfere inquietanti.
Quando Chagall si trasferisce a Parigi nel 1910 in quel momento la
corrente pittorica era il Cubismo di Pablo Picasso e Georges Braque,
incomincia a frequentare questo ambiente ma ne resta sostanzialmente
estraneo in quanto la sua concezione dell’arte è troppo
lontana dal rigore compositivo e dalla stilizzazione cubista.
Le
opere realizzate nel primo soggiorno parigino non si distaccano sensibilmente
dalle precedenti. Restano legate a un mondo fantastico, dove vige
la logica delle favole. Cambia solo il modo di utilizzare il colore,
decisamente influenzato dal Fauvisme. Le tinte sono più vivaci
e contrastanti, anche se trattate con una certa morbidezza ... nate
dall’incrocio delle tradizioni popolari russe con i riti ebraici,
incanteranno i visitatori della grande mostra che sarà dedicata
a Chagall dal 9 marzo al 1 luglio 2007 al Complesso del Vittoriano.La
mostra raccoglierà circa 150 opere dell'artista russo, tra
dipinti, gouaches, disegni, sculture e incisioni, che evidenzieranno
come Chagall, sia stato un pittore tra i più carichi di cultura
e di tradizione del '900.
fonte RomArt
|
 |
Andy
Warhol. Pentiti e non peccare più
Chiostro
del Bramante
Visita
guidata per i Soci di Palladio organizzata per domenica 5 novembre
ore 16.15 |
| |
"Pentiti
e non peccare più!" (Repent and Sin No More!): questo
il titolo della mostra dedicata a Andy Warhol (1930-1987) in occasione
dei dieci anni di attività del DART Chiostro del Bramante,
che iniziò le sue esposizioni d'arte contemporanea proprio
con una rassegna sull'artista Pop.
Curata da Gianni Mercurio, e realizzata in collaborazione con The
Warhol Museum di Pittsburgh, la mostra presenta circa 80 opere su
tela, fotografie e video che analizzano il legame dell'artista con
la spiritualità e la religione, la vita e la morte. Il titolo
dell'esposizione, Repent and Sin No More!, deriva da un'opera dell'artista
della serie Late Advertising realizzata nel 1986.
In quel periodo Warhol aveva iniziato a lavorare a The Last Supper,
rivisitando in chiave pop l'Ultima Cena di Leonardo. Ma non si trattava
solo di questo: era il punto di arrivo di un intimo percorso spirituale
che l'artista aveva avviato nella giovinezza. Negli archivi del Warhol
Museum è conservato poi un libro di preghiere, regalato all'artista
dalla madre, che nella prima pagina conserva una piccola riproduzione
dell'Ultima Cena leonardesca. La religione della famiglia di Warhol
(Warhola) era quella cattolica "uniate", riunitasi con la
chiesa d'occidente conservando però numerosi riti ortodossi.
Warhol era un praticante che si recava spesso a messa e conosceva
bene le immagini bizantine e gli arredi delle chiese, mentre la madre,
trasferitasi a New York, aveva addirittura allestito un piccolo altare
in casa del figlio.
La mostra si sofferma dunque su questo aspetto poco noto dell'arte
e della vita di Warhol, rilette alla luce del suo forte legame con
valori tradizionali e con il culto religioso, che costituirono però
delle pesanti interferenze con la sua aspirazione alla modernità.
Significativo, a questo proposito, è un dipinto realizzato
da Warhol quando frequentava il Carnegie Institute of Technology Pittsburgh,
raffigurante la sala da pranzo della sua famiglia dominata dal crocefisso
e dalla radio, simboli di due realtà fondamentali della sua
esistenza.
E in questa luce possono essere rilette opere celebri come i ritratti
di Marilyn, Marlon Brando, Jackie Kennedy nel giorno dei funerali
di Kennedy, Liz Taylor nel periodo in cui si credeva condannata da
un tumore senza speranza. Così si spiega il fondo oro di alcuni
ritratti di Marilyn e Jackie (Golden Marilyn e Golden Jackie), simbolo
di eternità nelle icone bizantine, la serie dei Disaster del
1963, con le immagini di incidenti automobilistici tratte dalle pagine
dei giornali, Tunafish disaster, che allude al caso delle donne avvelenate
da scatolette, Big Electic Chair, in cui la sedia elettrica viene
presentata come un moderno strumento di supplizio analogo alla croce.
Quest'ultima è poi protagonista della serie di opere dichiaratamente
"religiose", Crosses, presentate per la prima volta insieme
a Guns e Knives nel 1982, contemporaneamente alla serie Eggs, con
le uova simbolo dell'immortalità e della resurrezione.
In mostra vengono poi presentati 25 ritratti di VIP, come Truman Capote,
Miguel Bose, Jane Fonda, Aretha Franklin, Judy Garland, Liza Minnelli,
Keith Haring, Dennis Hopper, Grace Jones, Roy Lichtenstein, Neil Sedaka,
Carly Simon, Lana Turner, in cui le immagini vengono truccate e imbellettate
come fiori che non devono appassire per impedire la corruzione del
tempo.
Analogamente, l'immortalità, questa volta dei capolavori dei
grandi artisti del passato, è affrontata da Warhol con la reinterpretazione
di alcune opere classiche, come la Madonna Sistina di Raffaello, la
Primavera di Botticelli, San Giorgio e il drago di Paolo Uccello.
Catalogo Skira
|
 |
Matisse
e Bonnard. Viva la Pittura
Complesso
del Vittoriano
Visita
guidata per i Soci di Palladio organizzata per domenica 15 ottobre
ore 17.10 Mostra e domenica 10 dicembre ore 17.10 |
| |
- articolo
di Roberto Filippi
|
| |
In occasione
della recente Notte Bianca, il Vittoriano ha accolto e regalato ai
romani, con orgoglio patriottico, il trofeo conquistato dagli Azzurri
lo scorso luglio a Berlino dopo una tanto commentata vittoria sulla
Nazionale francese.
A distanza di un mese, l’altare della Patria, emblema dello
spirito nazionalistico, e non solo calcistico, naturalmente, ospiterà
con prestigio la Mostra delle opere di due dei più grandi pittori
d’oltralpe, illustri rappresentanti del fauvismo. Il movimento
dei Fauves è il contributo francese alla nascita dell’espressionismo.
Ma, rispetto agli analoghi movimenti tedeschi, connotati da atmosfere
fosche e contenuti drammatici, il fauvismo rappresenta una variante
«mediterranea» e solare dell’espressionismo.
E’
proprio “Bonnard, Matisse e il Mediterraneo” il titolo
della mostra visitabile dal 7 ottobre 2006 al 4 febbraio 2007. Attraverso
oltre 200 opere tra oli, sculture, acquarelli, gouaches, disegni,
lettere, cartoline, documenti, un carteggio lungo una vita, si testimonierà
il forte legame tra i due maestri accomunati dall’ “amore
per la pittura” ma diversi nell'espressione formale delle loro
tele documentando il profondo rapporto di stima, amicizia, rispetto,
che unisce i due grandi, solitari, pittori del Novecento.
Il taglio della Mostra segue infatti una “pista intimistica”:
due artisti che percorrono strade parallele, in costante confronto,
in costante dialogo attraverso una fitta corrispondenza che solo la
morte potrà interrompere.
Un'interessante occasione di analisi, che è stata possibile
grazie alla recente pubblicazione, da parte della casa editrice francese
Gallimard, del carteggio tra i due artisti. Non un confronto tra opere
distanti nella resa formale, bensì un percorso comune nell'amore
appassionato per l'Arte e nel rispetto reciproco; non un linguaggio
pittorico simile, ma comuni ad entrambi i grandi temi trattati e rappresentati
in mostra: nudi, nature morte, scene d'interno, paesaggi, finestre,
marine, ritratti.
La mostra
romana sarà un'occasione per analizzare questo percorso comune
presentando i capolavori dei due artisti tra Otto e Novecento.
Solo due anni separano Bonnard (1867-1947) da Matisse (1869-1954).
Le lettere che i due pittori si scambiano tra il 1925 ed il 1946 costituiscono
un documento di valore inestimabile che inizia con una significativa
cartolina inviata da Matisse a Bonnard - esposta in mostra - con scritto
emblematicamente "Viva la pittura!". Il lungo carteggio,
testimonianza di un'amicizia preziosa, diventa assai più intenso
negli anni della guerra - quando entrambi gli artisti vivono in grandi
difficoltà nel Midi della Francia.
I due, dunque, si tengono sempre in relazione fra loro, scambiandosi
idee e opinioni su una visione dell'arte che li accomuna: l'artista
non deve sottomettersi alla natura e alle sue regole ma solo ed esclusivamente
a quelle del suo dipinto.
Comune convinzione è: il dipinto deve comporsi unicamente di
colore. Senza ricercare la verosimiglianza con la natura, il colore
deve nascere dal proprio sentire interiore. Il colore viene quindi
svincolato dalla realtà che rappresenta ma esprime le sensazioni
che l’artista prova di fronte all’oggetto che riproduce.
Il fauvismo rappresenta la prima vera rottura con l’impressionismo
ed è la prima esperienza moderna che svincola il rapporto tra
colore reale delle cose e colore impiegato per la loro rappresentazione
pittorica. I presupposti per queste scelte derivarono dalla conoscenza
della pittura di Cezanne, Van Gogh e Gauguin. Da Cezanne presero l’idea
della scomposizione e ricomposizione non prospettica delle forme,
e da Van Gogh e Gauguin l’uso del colore come autonoma espressione
interiore.
Partecipano alla rassegna con i loro capolavori importanti musei pubblici
e prestigiose collezioni private di tutto il mondo. La Francia è
presente con quasi 30 musei. Tra i paesi intervenuti: Belgio, Finlandia,
Germania, Inghilterra, Irlanda, Italia, Svizzera, Ungheria, Russia,
Brasile, Canada, Stati Uniti, Australia.
In un
periodo di polemiche sui prestiti circa le opere d’arte e di
litigi a distanza tra campioni e non campioni del Mondo, questa Mostra
sembra invitare a quel rispetto reciproco e a quella deliziosa capacità
di essere mossi dalla stessa passione seppure in direzioni opposte
o, comunque, non necessariamente concilianti.
fino al 4 febbraio 2007
Complesso
del Vittoriano
Roma, Via San Pietro in Carcere (Fori Imperiali)
Orario
di apertura: Dal
lunedì al giovedì, ore 9.30 -19.30; venerdì e
sabato 9.30 - 23.30; domenica 9.30 - 20.30.
Biglietti:
Intero 10 euro; ridotto 7.50 euro
Roberto
Filippi
|
 |
La
Cina. Nascita di un Impero
Scuderie
del Quirinale
Visita
guidata per i Soci di Palladio organizzata per Domenica 22 Ottobre ore
16.30 e Domenica 19 Novembre ore 16.30 |
| |
- articolo
di Roberto Filippi
|
| |
Un
film di tanti anni fa aveva il titolo “La Cina è vicina”,
allora era la speranza di frange esaltate della politica dell’epoca
e fortunatamente in quel frangente la Cina è rimasta ben lontana
ma ora possiamo nuovamente dire e con tranquillità che la Cina
è vicina , più precisamente alle Scuderie del Quirinale
con una grandiosa mostra, “Cina, nascita di un impero”
che espone oltre trecento oggetti artistici che riguardano la storia
di quel grande paese per un millennio tra la Dinastia Zhou che fu
al potere tra il 1045 e il 221 a.C. e il Primo Impero formatosi tra
il 221 e il 23 a.C..
La
Cina ha una storia lunga e complessa che affonda le sue radici nella
preistoria e che raggiunse un primo stadio di civiltà grazie
all’agricoltura sviluppatasi lungo i grandi fiumi; si formarono
così i primi nuclei stabili, fiorì il commercio, si
organizzarono pratiche religiose e sorsero le prime antiche e mitiche
dinastie imperiali tra cui assunsero preminenza gli Shang tra il 1650
e il 1045 a.C.. Ad essi successero gli Zhou con figure mitiche di
grandi re conquistatori che gettarono le basi di uno stato unitario,
successivamente la dinastia decadde e si affermarono numerose dinastie
locali che solo formalmente riconoscevano come sovrano il “Figlio
del Cielo”, il periodo fu così tormentato che è
noto nella storiografia cinese come “I Regni Combattenti”.
All’inizio
del III secolo a.C. emerse la Dinastia Qin che riuscì a costituire
un vastissimo impero sotto la guida di un grande imperatore che assunse
il nome di Qin Shi Huangdi che unificò lo stato, costruì
la Muraglia Cinese contro i nomadi e si fece edificare un imponente
sepolcro, circondato dalle statue in terracotta di migliaia di suoi
guerrieri, da pochi decenni riscoperto. Alla sua morte Li Pong fondò
la Dinastia Han, la più celebre nella storia cinese, e poi
seguirono i Tang dal 618 al 907 d.C., i Song dal 960 al 1279, gli
Yuan di origine mongola un cui esponente Kubilay incontrò Marco
Polo e poi i Ming dal 1368 al 1644 sotto i quali iniziarono rapporti
regolari con i commercianti europei ed infine i Manciù dal
1640 al 1911. In tale data l’Impero fortemente decaduto fu abolito
e fu proclamata la Repubblica che tentò di adeguarsi a schemi
e costumi occidentali. Nel 1949 fu costituita la Repubblica Popolare
basata sul sistema comunista, seguì la Rivoluzione Culturale
che destò tante illusioni in occidente ed ora la Cina è
percorsa da un vivacissimo sviluppo economico poco in armonia con
un regime politico fortemente autoritario.
La
mostra prende in esame un millennio di storia cinese, considerato
il più splendido, ed espone un gran numero di reperti, generalmente
di origine sepolcrale, molti dei quali in occidente per la prima volta.
L’allestimento di Luca Ronconi e Margherita Palli presenta decine
di statue in terracotta a grandezza naturale provenienti dall’esercito
del primo Imperatore ed altre, di 70 cm., trovate nelle tombe del
primo e del quarto imperatore della Dinastia Han; particolarmente
interessante è una veste funebre costituita da duemila piastre
di giada bianca cucite con filo d’oro e poi una grande abbondanza
di vasi di bronzo provenienti da corredi tombali, piccoli oggetti
sempre in bronzo, terrecotte finissime, giade e lacche dall’accurata
lavorazione. Una eccezionale raccolta di oggetti forse tecnicamente
distanti dalla nostra esperienza ma che ci mostrano che l’uomo
nei confronti dei grandi temi della morte, della vita ultraterrena,
della famiglia, del potere, del fasto, ha caratteristiche comuni quale
sia la sua razza, la sua civiltà, il suo paese.
E
così possiamo concludere che la Cina è vicina, più
di quanto si possa pensare a prima vista.
Roma
Scuderie del Quirinale
Via XXIV Maggio 16
Dal 22 settembre 2006 al 28 gennaio 2007
Orario: da Domenica a Giovedì 10-20
Venerdì e Sabato 10-23
www.mondomostre.it
www.scuderiequirinale.it
ingresso Euro 10 – ridotto 7
Catalogo Skira
Roberto
Filippi
|
 |
Paul
Klee
Palazzo
Ruspoli
Visita
guidata per i Soci di Palladio organizzata per domenica 29 ottobre ore
16.00 |
| |
Il
pittore tedesco Paul Klee (1879-1940) è uno dei più amati
artisti del XX secolo. Nato in Svizzera, ha studiato a Monaco di Baviera
e viaggiato in Italia prima di ritornare a Berna (nel 1902) dove trascorse
un lungo periodo di isolamento, studiando il lavoro di Kandinsky ed
i suoi amici di Der Blaue Reiter cosi come i cubisti e Delaunay. È
a seguito di un viaggio in Tunisia nel 1914 che cominciò a sviluppare
uno suo stile proprio di forme astratte e rappresentazione simbolica.
Nelle parole di Sabine Rewald (curatore del Metropolitan Museum, New
York), “voltando le spalle alla natura, ricavava i suoi soggetti
dalla propria immaginazione, dalle sue reazioni al mondo che lo circondava,
esperienze del passato intorno a lui, poesia, musica e cose botaniche
e scientifiche – in sintesi, un mondo di fantasia, pieno d’ironia,
bizzarria, e humor birichino tuttavia intrecciato, soprattutto verso
la fine della sua vita, con la melanconia.”
Nel
1920 fu invitato ad unirsi ai docenti del Bauhaus, la scuola d’arte
rivoluzionaria in Weimar. Così cominciò la decade più
prolifica della sua carriera, producendo principalmente acquarelli e
disegni piccoli ma squisiti. Non sorprende che una parte dei dipinti
eseguiti durante gli anni al Bauhaus si riferiscono agli argomenti dei
suoi corsi. La sua preoccupazione con l’interazione dei colori
portò ai così detti dipinti a gradazione di colore, impregnati
con un movimento andante dal chiaro allo scuro o dal primo piano allo
sfondo. Altri lavori sono, contrariamente, più spiritosi, bizzarri
o musicali. Nel 1931 lasciò il Bauhaus e ritornò in Svizzera
con l’arrivo del regime nazista. Negli ultimi anni della sua vita,
gracile ed ammalato, creò un vasto numero di gouaches e disegni
illutsranti figure liriche, evanescenti, immaginarie, spesso rappresentanti
angeli.
Nato
a Berlino nel 1914, Heinz Berggruen emigrò negli StatiUnti nel
1936. Dopo la guerra si trasferì a Parigi dove lavorò
per l’UNESCO e, nel 1948, prese la decisione determinante di aprire
una galleria d’arte sulla rive gauche. La sua lunga carriera è
associata al lavoro di artisti quali Picasso, Mirò, Matisse,
Juan Gris e molti altri. Ma Paul Klee (che non incontrò mai)
occupava un posto speciale tra i suoi affetti e ripetutamente mostrava
i suoi lavori, pubblicando cataloghi eleganti per l’occasione.
Heinz Berggruen sta collezionando l’opera di Klee dalla metà
degli anni 40. Nel 1973, ha donato 13 lavori di Klee al Musée
National d’Art Moderne de Paris (oggi Centre George Pompidou),
e in seguito 90 opere al Metropolitan Msueum of Art di New York. Un
gruppo significativo di opere è anche presente nella collezione
del Museo Berggruen di Berlino, museo fondato nel 1996 sotto nell’ambito
dello Stiftung Preußischer Kulturbesitz (Soprintendenza del Polo
Museale di Berlino). Come omaggio ad una carriera così strettamente
associata al lavoro di Klee, l’attuale mostra riunirà lavori
dai 3 musei sopra citati così come dalla collezione privata di
Heinz Berggruen. Tutti i periodi e supporti sarranno rappresentati in
mostra, con particolare enfasi agli anni Bauhaus.
La
mostra sarà curata da Olivier Berggruen, figlio minore di Heinz
Berggruen. Dopo aver studiato storia dell’arte alla Brown University
e al Courtauld Institute di Londra, Olivier Berggruen ha lavorato alla
Sotheby’s di Londra, prima di curare numerose mostre museali tra
cui: Matisse, Yves Klein e Ed Ruscha. Egli è curatore associato
dello Schirn Kunsthalle di Francoforte.
|
 |
Raffaello alla Galleria Borghese
Galleria
Borghese
|
| |
La
prima grande mostra di taglio monografico realizzata a Roma. L’evento
vuole indagare la produzione pittorica di Raffaello Sanzio negli anni
tra il 1505 e il 1508, in cui l’artista, prossimo a stabilirsi
a Roma, dipinge la Deposizione, tuttora conservata nel Museo Borghese
e getta le basi per quel rivoluzionario passaggio dalla struttura compositiva
tradizionale alla concezione dinamica dello spazio che si compirà
con la realizzazione degli affreschi delle Stanze Vaticane. Sono esposti
in mostra capolavori provenienti dai più importanti musei del
mondo quali Ritratto di Giovane (Budapest), Ritratto di Uomo (Vienna),
Ritratto Femminile (Firenze), Sogno di Cavaliere e Madonna con Bambino
(Londra, National Gallery), Santa Caterina (Urbino), La Belle Jardinière
(Parigi, Louvre), Sacra Famiglia con l’agnello (Madrid, Prado),
Madonna Niccolini-Cowper (Washington, National Gallery of Art), Madonna
Colonna (Berlino, Gemäldegalerie), Madonna dei candelabri (Baltimora,
The Walters Art Museum).
|
 |
Giulio
Aristide Sartorio
Galleria
Borghese
|
| |
Centosette
tra oli e tempere, trentotto tra carboncini e disegni, nove progetti
per opere monumentali di grande formato, quaranta foto inedite del pittore
e un film, “Il Mistero di Galatea”, girato da lui stesso,
sono il nucleo di questa mostra antologica su Giulio Aristide Sartorio
che è il punto di arrivo di una ricerca, sulla contestualizzazione
globale della sua opera sin dall’ultima esposizione avvenuta nel
1933.
Vi è in Sartorio, infatti una perenne ricerca intima e stilistica
che lo fa approdare a delle soluzioni di metodo e pittoriche antesignane
e validissime. Accanto a questo, per il suo internazionalismo e per
una innata curiosità, lui, più di altri subisce il fascino
di quella civiltà industriale nascente, di quel nuovo mondo che
porta con sé nuove tecniche quali la fotografia e la cinematografia.
La mostra, che nasce sotto l’egida della Camera dei Deputati e
dell’Archivio Sartorio, curata da Renato Miracco, affiancato da
un comitato scientifico internazionale, ripercorre la sua carriera e
la sua evoluzione pittorica sin dal progressivo passaggio dal momento
fortuniano, che ha caratterizzato i primi anni, verso il 1877, verso
l’interesse sempre più prevalente per la pittura preraffaelita
che domina gli anni Novanta con l’incontro con la pittura di Dante
Gabriele Rossetti e Burne-Jones.
Di qui il passaggio agli influssi liberty nonché alla grande
decorazione e ai suoi noti paesaggi della campagna romana. La
mostra sarà suddivisa in quattordici sezioni, ognuno curata da
un esperto nazionale o internazionale e nessuno dei molteplici aspetti
del pittore, decoratore, paesaggista, critico, fotografo, cineasta,
saggista verrà trascurato per fornire, per la prima volta un
quadro completo ed esaustivo di quello che Gabriele d’Annunzio
definiva : “Cantore della pittura italiana”.
|
 |
Modigliani
Museo
del Vittoriano
|
| |
Una
grande mostra, un evento importante per ammirare, dopo quasi mezzo secolo
di assenza da Roma, più di cento opere, molte mai esposte in
Italia realizzate dal grande Maestro livornese tra il 1906 ed il 1919.
Le
mostra, curata dal direttore del Museo d'Arte Contemporanea di Lugano
Rudy Chiappino, propone l'intero percorso creativo di Modigliani, con
opere provenienti da musei italiani ed esteri, dalla Pinacoteca di Brera
di Milano alla Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli di Torino, da Udine,
Verona, Venezia, Vicenza e Livorno.
Saranno
visibili alcuni tra i maggiori capolavori di Modiglioni, tra i quali
gli splendidi ritratti di Monsieur Cheron (1915), del poeta polacco
Leopold Zborowski (1916) e 'Paul Guillaume seduto', di Monsieur Baranowski
(1918), Monsieur Brabanter (1919) e il ritratto a matita di Jean Cocteau.
Ma
anche le celebri figure femminili di 'Lolotte', (1916), la 'Bionda Renee',
la 'Donna con vestito scozzese', 'Hanka Zborowska' del 1917, 'Teresa'
del 1915, 'La bella spagnola' del 1918, la 'Lunia Czeschowska' del 1919.
|
| |
|
 |
Ippolito
Caffi
Palazzo
Braschi
- Dal
15 Febbraio al 2 Maggio 2006
|
| |
Palazzo
Braschi ospita una grande mostra monografica che illustra l’artista
e il suo tempo. E’ un momento magico per il pittore veneto, in
precedenza la stessa mostra è stata allestita a Belluno e dalla
metà del prossimo marzo ne verrà presentata un’altra
a Genova, a Palazzo Reale, avente per tema il paesaggio ligure da lui
spesso ritratto. Caffi nacque a Belluno nel 1809 e studiò a Venezia
raccogliendo il testimone dei grandi vedutisti del settecento, fu ardente
patriota allontanandosi del Veneto per non sottostare all’Austria,
viaggiò molto e molto dipinse in Italia e all’estero; visitò
Roma, Napoli, Pompei ed Ercolano, Genova, la Sicilia, Napoli e poi Parigi,
l’Egitto, il Medio Oriente, Malta. Prese parte alle Guerre d’Indipendenza
fino al tragico epilogo. Il sottotitolo della mostra “Luci sul
Mediterraneo” inquadra chiaramente l’obiettivo di esibire
il grande senso del paesaggio e della luce del Caffi alla sua epoca
ritenuto uno dei migliori vedutisti. In mostra sono esposti un centinaio
di dipinti e un certo quantitativo di disegni ed acquarelli nonché
album e taccuini di viaggio che testimoniano la grande abilità
tecnica, la straordinaria sensibilità al paesaggio e alla luce,
il grande impegno nel volersi trovare in posizioni tali da poter rappresentare
al meglio quanto vedeva. Fu testimone di eventi naturali, di fenomeni
atmosferici, di vicende belliche, sempre pronto a fissare sui suoi taccuini
prima, nelle tele poi, vedute e avvenimenti che andava ricercando con
insaziabile curiosità. Ad una grande esperienza prospettica,
frutto della sua formazione veneta, univa una particolare sensibilità
al colore che rendeva le sue vedute affascinanti e suggestive per la
cromia abbagliante e dolce con singolari effetti di luce. Le molte opere
esposte provenienti da musei e da tante collezioni private ripercorrono
la vita e l’arte del pittore patriota presentando al visitatore
una pittura di alta capacità tecnica, di buona ispirazione e
di grande senso del colore e riportano il Caffi al posto che gli compete
nella pur tanto bistrattata pittura dell’ottocento.
|
 |
Antonello
da Messina
Scuderie
del Quirinale
|
| |
Lo
sguardo intrigante e il sorriso enigmatico di personaggi effigiati su
tavole dipinte ad olio accolgono il visitatore della mostra su Antonello
da Messina, una grande rassegna monografica che riunisce una cinquantina
di opere, quasi tutte quelle riconosciute dell’artista , e che
si pone come la più importante esposizione dopo quella tenutasi
a Messina nel 1951 che segnò il riapparire dell’artista,
noto ma misterioso, nel mondo dei critici e degli storici dell’arte.
Antonello, di cui si ignora il cognome, nacque intorno al 1430 a Messina
ed iniziò il suo apprendistato presso il Colantonio, allora pittore
di buona fama a Napoli dove alla corte degli ultimi Angioni fioriva
una vivace attività culturale e giungevano opere fiamminghe del
van Eyck e del van der Weyden. Nella bottega del Colantonio il giovane
Antonello imparò a fondere la sontuosità dell’ultimo
gotico con la minuziosa e attenta osservazione della realtà tipiche
dell’arte fiamminga assorbendo anche influssi della pittura borgognona.
Esempio della perfetta metabolizzazione di queste varie ispirazioni
è il “ San Girolamo nello studio” presente in mostra
e proveniente dalla National Gallery di Londra; il santo è rappresentato
intento alla lettura assiso su una predella alla scrivania, con una
libreria sul retro ed il caratteristico leone ai piedi il tutto inserito
in una serie di prospettive che delimitano l’ambiente e con una
pittura che cura i singoli e minuti particolari con una analisi finissima
quasi utilizzasse una lente d’ingrandimento. Successivamente subì
l’influsso di Piero della Francesca da cui assimilò l’inquadramento
prospettico in cui collocare le immagini che assumono forme purissime
contraddistinte da un grande nitore geometrico. Continuando a dipingere
tavole a soggetto sacro e ritratti giunse a Venezia nel 1475 incontrando
Giovanni Bellini in uno scambio di esperienze che arricchì entrambi.
Dal Bellini Antonello assorbì il senso del colore unendolo alla
prospettiva come appare nel “San Sebastiano” di Dresda con
la corposa figura del santo in primo piano, con subito appresso edifici
e figure ed uno sfondo che si dilata in lontananza con effetti suggestivi.
Splendido è il paesaggio della “Crocefissione” di
Londra con i tre crocefissi in primo piano e sul fondo una veduta che
si spinge lontano fino ad un mare immaginario intensamente azzurro.
Si specializzò in ritratti, tra cui il suo presunto “Autoritratto”,
alla National Gallery di Londra, con lineamenti dolci, sguardi obliqui,
colori decisi, chiaroscuro modellante. Tornato un paio d’anni
dopo in Sicilia si affermò sempre più come pittore celebre
per committenti nobili, ecclesiastici, conventi, confraternite, chiese,
lasciandoci splendide opere alcune delle quali ancora in musei siciliani.
Morì intorno al 1479 ma purtroppo di lui abbiamo notizie scarsissime
in quanto il terremoto di Messina del 1908 ha distrutto archivi pubblici
e privati impedendo ricerche sull’artista. Su di lui era scesa
una coltre di oblio pur essendo un insigne pittore rinascimentale ma
così diverso dagli stili che nello stesso tempo andavano affermandosi
a Firenze e a Roma tanto celebrati dal Vasari che faceva primeggiare
ad ogni costo la pittura toscana. La mostra recupera quasi tutte le
tavole di Antonello provenienti dai principali musei italiani e stranieri
ed esibisce una carrellata completa sull’attività dell’artista
offrendo una occasione unica agli specialisti e ai semplici visitatori
di studiare e confrontare le opere di un pittore che attraverso la sintesi
tra luce e colore da vita a figure, architetture e paesaggi di forte
impatto visivo e di grande suggestione.
|
 |
Manet
Museo
del Vittoriano,
|
| |
In
esposizione ben centocinquanta creazioni dell'artista che, nell'ambito
del movimento impressionista, mantiene sempre una sua forte individualità.
Si ispira all'arte italiana, spagnola, giapponese, a Goya, a Tiziano,
al passato; si lascia sedurre dalle donne e dalla natura, e rende entrambe
protagoniste di creazioni che segnano una netta cesura con l'espressione
pittorica precedente.
più
info sulla mostra
|
 |
Il
rito segreto. Misteri in Grecia e a Roma Roma,
Colosseo
|
| |
La
mostra, ideata dalla Soprintendenza Archeologica di Roma e curata da
Angelo Bottini, è dedicata ai culti misterici nel mondo antico,
un tema mai approfondito nell’ambito di una esposizione archeologica
e inedito anche nell’idea di allestimento.
L’esposizione documenta quei fenomeni di religiosità diffusi
tra la Grecia e l’Italia antica estranei all’orizzonte del
culto ufficiale che testimoniano il continuo bisogno del singolo individuo
di ricercare il significato dell’esistenza e della salvezza. Oltre
settanta opere provenienti dalle Soprintendenze dell’Italia centrale
e meridionale, tra cui grandi statue, busti, altari, affreschi, vasi
greci, rilievi ed idoli, arricchiscono il II ordine del Colosseo con
la loro ‘misteriosa’ presenza, sottolineata da un allestimento
di grande impatto emotivo, che gioca con la luce, il suono e le proiezioni.
Il percorso si apre con diverse sculture in marmo che documentano il
favore delle pratiche oracolari in Grecia e in Italia, fra le quali
la celebre Fanciulla d’Anzio (da Palazzo Massimo). Una selezione
di immagini dalla Grecia classica alla Roma imperiale illustrano esaurientemente
i riti dionisiaci. Il percorso continua con la presentazione dei misteri
eleusini, attraverso la celebre Urna Lovatelli del Museo Nazionale Romano,
testimonianze vascolari e importanti rilievi. Un’ultima, articolata
sezione è infine dedicata ai culti misterici di provenienza orientale
e al culto di Mitra, che contribuì allo sviluppo delle tendenze
monoteistiche degli ultimi secoli dell’impero romano.
|
 |
Zandomeneghi.Un
veneziano tra gli impressionisti
|
| |
Il Chiostro del
Bramante presenta la prima grande mostra antologica su uno dei grandi
esponenti dell’impressionismo italiano: Zandomeneghi. Parigino
d'adozione, italiano per nascita e formazione artistica, Federico
Zandomeneghi è tra i pochi artisti italiani che parteciparono
alla fervente vita parigina di fine Ottocento. Nato a Venezia nel
1841, Federico, convinto patriota, dopo gli studi d'arte a Venezia,
partecipò attivamente alla vita politica italiana, arruolandosi
molto giovane con Garibaldi. Stabilitosi a Firenze, con numerosi viaggi
nella sua Venezia, risentì profondamente della compagine artistica
legata alla cultura pittorica macchiaiola: Signorini, Fattori, Lega,
Banti, Borrani, Sernesi, il veronese Cabianca e gli altri frequentatori
del Caffè Michelangelo gli furono compagni, nelle esperienze
d'arte e di vita. Nel 1874, anno di nascita dell'Impressionismo presso
il Caffè Nadar, senza un particolare progetto Zandomeneghi
partì per la capitale francese. Il soggiorno si prolungò
tutta la vita ed egli entrò a far parte del gruppo degli impressionisti.
Legato da profonda amicizia al pittore Edgar Degas, raccolse nella
sua esperienza artistica l'influenza dell'amico, ma anche dei neo-impressionisti
Signac e Seraut. Dipinse i soggetti tipici del movimento, ma la sua
fama si legò profondamente alla maestria nel ritratto e nelle
scene di vita mondana. Dame dai cappellini e dai vestiti alla moda
lo legarono all'arte dell'amico Pierre-Auguste Renoir.
La mostra, organizzata dalla Fondazione Mazzotta, è un'ampia
antologica del pittore. Edmondo Sacerdoti - massimo collezionista
di Zandomeneghi - e Tulliola Sparagni, curatori dell'evento, ripercorrono
le tappe salienti dell'opera, rendendo ragione di diverse letture
critiche. Da una parte si considera Zandomeneghi un artista esclusivamente
italiano, ponte artistico tra Venezia e i Macchiaioli prima e tra
questi ultimi e gli impressionisti poi; dall'altra, invece, egli rientra
nel capitolo considerato come “impressionismo italiano”,
con la sua forte appartenenza a detta cultura, senza smentire le radici
veneziane. La mostra offre l’unica opportunità per ammirare
oltre 100 dipinti e 30 disegni del maestro esposte a confronto con
dipinti di Renoir, Pissarro, Degas, Tolouse-Lautrec.
visita
per i Spci di Palladio organizzata per l'8 dicembre
|
 |
Il
Settecento a Roma
Museo
Nazionale di Palazzo venezia
|
| |
Il Museo
Nazionale di Palazzo Venezia, sino al 26 febbraio, ospita la mostra
"Il '700 a Roma". 230 opere che testimoniano di un secolo
che apre alla modernità.(18-11-2005)
“Questa mostra copre un lasso di tempo vastissimo e ha l’ambizione
di riesaminare un periodo storico molto vicino alla nostra epoca,
senza soprassalti cronologici e senza forzature ideologiche ma con
intenti precisi che scaturiscono da una serena valutazione delle opere
d’arte e delle molte situazioni del tempo, fervido quanti altri
mai nella produzione culturale ma difficile da decifrare secondo scansioni
su cui ancora oggi non esiste un accordo della storiografia consolidata
e, proprio per questo, passibile di nuove ricerche e nuove deduzioni”.
L’esposizione
nasce da un progetto ambizioso, costruito in tre anni di ricerca di
un comitato scientifico internazionale riunendo opere provenienti
da tutto il mondo. Molte di queste tornano a Roma per la prima volta;
altre sono state restaurate per l’occasione con uno sforzo organizzativo
straordinario.“Se
vuoi conoscere degli uomini, questo è il vero sito, uomini
di straordinari talenti, e di nobilissimi requisiti…la libertà
in altri stati e in altre repubbliche non è che un’ombra
rispetto alla libertà di Roma... Qui si gode il privilegio
di pensare in maniera tutta propria”. Così, nel 1756,
Winckelmann definiva il clima della città eterna. Roma riveste
allora un ruolo fondamentale come capitale della cultura e crocevia
d’Europa.Questo
volto sempre più diversificato della città può
essere raccontato solo attraverso una molteplicità di testimonianze
con le quali è costruita la mostra: dipinti, sculture, pezzi
archeologici, arredi, costumi, libri e disegni. Oggetti diversi, accostati
fra loro da legami evidenti anche al grande pubblico. Uun
percorso cronologico e tematico è diviso in sezioni a soggetto.
Si parte così dall’enfasi tardo barocca che gradualmente
si stempera in grazia e ragionevolezza secondo i dettami dell’Arcadia,
seguiti da artisti sia italiani sia stranieri, soprattutto i tanti
francesi presenti a Roma. Per
documentare questo passaggio è stata scelta un’opera
eccezionale, mai esposta in Italia: il grande dipinto con Apollo che
incorona il marchese Pallavicini, mecenate e protagonista del mondo
delle arti, dipinta dal suo protetto Carlo Maratti, conservata nella
dimora patrizia di Stourhead, in Gran Bretagna. Le
presenze italiane e straniere si mescolano in una città che
si mette continuamente in scena alternando spettacoli teatrali, mascherate,
feste spettacolari e cerimonie religiose. L’antico, da sempre
polo di attrazione della città, dal chiuso delle collezioni
private passa ai musei pubblici. Un viaggio ricco di spunti e di opere,
circa 230, nasce da un taglio espositivo sintetico e didattico per
esprimere un secolo che, nella propria vocazione divulgativa, apre
alla modernità.
visita
per i Soci di Palladio organizzata per fine Gennaio 06
|
|
Pasolini
30 anni dopo
Museo
di Roma in Trastevere
|
| |
Roma
e Pasolini: un rapporto viscerale. La Città Eterna vuole rendere
omaggio all'uomo, all'artista, al comunicatore, in occasione dei trent'anni
dalla sua scomparsa, con tre mostre. Pasolini e Roma. Una ricca serie
di documenti inediti - tra fotografie, film, documentari, dattiloscritti
originali - che raccontano l'arrivo dello scrittore a Roma e i rapporti
allacciati con gli esponenti del mondo culturale di quel periodo.
Miracolo a Roma. Angelo Pennoni sul set di Accattone. Ben sessanta fotografie
scattate sul set cinematografico del film "Accattone": un
disegno dei tratti di questo personaggio che diventa mito, un ritratto
che il pittore Pasolini fa alla borgata.
La lunga strada di sabbia. Fotografie di Philippe Séclier. "La
lunga strada di sabbia" è un reportage di Pasolini sulla
moda delle vacanze, che ripercorre le tappe di un suo viaggio iniziato
in Versilia e terminato a Trieste. Il fotografo Séclier, nel
2001, fa lo stesso viaggio, realizzandone un reportage fotografico:
i suoi scatti, in bianco e nero, sono esposti insieme ai dattiloscritti
di Pasolini.
|
 |
Alberto
Burri
Scuderie
del Quirinale
|
| |
Nel
decimo anniversario della scomparsa di Alberto Burri (1995-2005) la
mostra, promossa dall’Azienda Speciale Palaexpo con la collaborazione
della “Fondazione Albizzini-Collezione Burri” di Città
di Castello, intende presentare l’opera di Burri al centro di
quella radicale trasformazione delle forme e delle tecniche artistiche
che ha interessato la produzione internazionale, a cominciare dagli
anni Cinquanta, grazie proprio alle innovazioni introdotte dall’artista.
La prima parte dell’esposizione sarà dedicata alle opere
di quegli artisti che, contemporaneamente ad Alberto Burri, anche se
con differenti approcci, hanno operato nella direzione di un profondo
rinnovamento (Antoni Tàpies, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Yves
Klein, Lucio Fontana, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Cy Twombly,
Franz Kline, Afro, Jim Dine). Esse saranno presentate in mostra insieme
ad un nucleo di opere del maestro di Città di Castello nei principali
passaggi del suo intero svolgimento, dalle iniziali prove con i sacchi,
ai legni e ai ferri, alle plastiche, alle combustioni, ai cretti fino
ai grandi cellotex.
La seconda parte della mostra presenterà artisti italiani e stranieri
che dopo Burri hanno introdotto materiali extrapittorici nella loro
opera di pittori (o detriti o avanzi industriali nelle loro sculture),
mutando radicalmente il volto dell’arte nella seconda metà
del XX secolo. Tra gli artisti rappresentati figureranno Joseph Beuys,
Anselm Kiefer, Piero Manzoni, Ettore Colla, Mimmo Rotella, Manuel Millares,
Rafael Canogar, Jacques Villeglé, Salvatore Scarpitta, Giuseppe
Uncini, Mario Ceroli, Arman, César, Daniel Spoerri, Jannis Kounellis,
Michelangelo Pistoletto, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Anselm Kiefer,
Julian Schnabel.
|
| |
|
 |
I
Castellani e l'oreficeria archeologica italiana
Museo
Nazionale Etrusco di Villa Giulia
|
| |
Villa
Giulia è un pregevole edificio rinascimentale fatto costruire
intorno al 1550 da Papa Giulio III Ciocchi dal Monte con l’opera
degli architetti Vasari, Vignola e Ammannati; nonostante le traversie
subite in quattro secoli mantiene le sue linee eleganti, qualche sala
affrescata ed un magnifico ninfeo dove si effettua la consegna del Premio
Strega. Sin dal 1889 è stata destinata a sede del Museo Etrusco
e contiene una delle maggiori raccolte italiane di reperti, generalmente
funerari, appartenenti a questo popolo. Numerose sono le antiche raccolte
confluite nel museo e tra esse spicca l’importanza della Collezione
Castellani comprendente ceramiche, bronzi e splendide oreficerie costituite
sia dai gioielli antichi etruschi che da moderne creazioni di epoca
ottocentesca. I Castellani furono una famiglia di orafi che ebbe grande
fama nella Roma del secondo Ottocento, il capostipite Fortunato Pio
aprì bottega nel 1814 specializzandosi nella produzione di gioielli
e di oggetti d’arte secondo il gusto neoclassico allora dominante;
due dei suoi figli seguirono le sue orme, il primo, Alessandro, dopo
una giovinezza avventurosa si trasferì a Parigi aprendo una affermata
succursale della bottega romana lanciando sia nell’ambiente francese
che in quello inglese la moda del gioiello “all’antica”.
Si dedicò anche all’attività di antiquario effettuando
scavi in varie località collezionando, comprando e vendendo reperti.
Voci malevole gli attribuirono anche la fama di falsario e di truffatore
per la vendita di oggetti da lui creati e fatti passare per antichi.
Il fratello Augusto produsse e commerciò moltissimi gioielli
in tutto il mondo e collezionò anch’egli oreficerie antiche
e moderne sino a costituire una imponente raccolta. Divenne direttore
onorario dei Musei Capitolini e tenne bottega in un palazzo in piazza
Fontana di Trevi, dove un secolo dopo abitò il Presidente Pertini,
facendone un centro culturale, specie in campo antiquario, di consolidata
fama e prestigio. Con l’inizio del secolo e con i cambiamenti
di moda la bottega decadde e l’ultimo orafo Castellani, Alfredo
figlio di Augusto, cedette allo Stato la sua collezione comprendente
sia oggetti antichi che opere della pluridecennale attività della
famiglia.Acquisita nel 1919 la Collezione Castellani fu collocata a
Villa Giulia nel 1930 al piano nobile della palazzina dove nella sala
detta “dei Sette Colli” è ospitata la sezione dedicata
alle oreficerie contrapponendo gioielli antichi e moderni; i reperti
sono raccolti secondo criteri cronologici e tipologici dall’epoca
arcaica, a quella etrusca, all’età romana, con inclusioni
di gioielli del Vicino Oriente e anche di origine precolombiana. C’è
anche una raccolta di 385 gemme e paste vitree di varia origine. A fronte
i manufatti ottocenteschi contraddistinti dal marchio di due C intrecciate
simbolo della bottega, con una serie di splendidi reperti che imitano
quelli antichi con effetti di grande suggestione alternando ori, mosaico
minuto, paste, pietre preziose. Con i gioielli sparsi in musei e collezioni
di ogni parte del mondo è stata organizzata la mostra “I
Castellani e l’oreficeria archeologica italiana” che dopo
essere passata per New York e Londra è ora giunta a Roma al Museo
di Valle Giulia ospitata nella sala “delle Arti e delle Scienze”
vicina a quelle che contiene la Collezione che ha base nel museo. La
mostra ricostruisce un secolo di attività di una celebre bottega
orafa e la personalità e le capacità dei vari artigiani
che vi hanno operato; l’allestimento rievoca in parte la suggestione
della bottega di Piazza Fontana di Trevi anche con la ricostruzione
di un angolo del negozio con due manichini di acquirenti, in costume
d’epoca, intente ad ammirare i gioielli esposti. I circa 250 oggetti
in mostra comprendono preziosi che a suo tempo furono acquistati da
membri dell’aristocrazia europea, pezzi già della celebre
Collezione Campana venduta sul mercato antiquario di Parigi, mosaici
finissimi, smeraldi, cammei, spille, in uno splendore di ori che cattura
lo sguardo del visitatore. La mostra è stata sponsorizzata dal
Nobile Collegio di S. Eligio degli Orefici e dalla Federazione Italiana
Tabaccai che ha un particolare legame con il Museo Etrusco dove ha già
finanziato il restauro della grande statua in terracotta nota come l’Apollo
di Veio e sta curando il restauro dell’altra statua del gruppo,
l’Eracle.
Roberto Filippi
|
 |
La
Parola Scolpita
Musei
Vaticani, Museo Pio Cristiano
|
| |
Massimo
Taparelli dei Marchesi d’Azeglio è noto come statista e
scrittore; fu uno dei massimi esponenti risorgimentali della corrente
moderata, liberale, monarchica e federalista, passò anche all’azione
combattendo nella Prima Guerra d’Indipendenza e rimanendo ferito
nella difesa di Vicenza. Incaricato da Vittorio Emanuele II divenne
Primo Ministro mantenendo l’incarico per quattro anni per cedere
poi il posto a Cavour. Nel 1859 fu Commissario per le Romagne favorendone
l’annessione al Regno d’Italia, ritiratosi a vita privata
morì nel 1866. La sua produzione letteraria iniziò in
età giovanile ispirandosi a Cesare Balbo e al Manzoni di cui
sposò la figlia Giulia; divenne notissimo nell’Italia degli
anni Trenta e Quaranta dell’Ottocento per i suoi romanzi storici
“Ettore Fieramosca” e “Nicolò dei Lapi”
in cui, evocando antichi eventi, tentava di risvegliare il patriottismo
degli Italiani. Come politico scrisse “Gli ultimi casi di Romagna”,
“Proposte di un programma per l’opinione nazionale italiana”
e “Questioni Urgenti” circa la scelta di Roma capitale.
La sua ultima opera “I miei ricordi” apparsa postuma nel
1867 è un interessante e dotto esempio di memorialistica risorgimentale.
Meno nota è la sua attività di pittore del resto esercitata
a livello dilettantistico anche se molto accattivante. Tra il 1818 e
il 1826 il giovane d’Azeglio soggiornò a Roma con il padre
ambasciatore, in Palazzo Fiano al Corso, ove ora è una targa
ricordo, studiando pittura , visitando la città e i dintorni,
frequentando la buona società. Le sue opere sono in parte ospitate
al Museo Civico di Torino e consistono per lo più in paesaggi
delicati e malinconici di ispirazione romantica come era di moda nel
primo trentennio del XIX secolo. Alcuni dei suoi dipinti sono esposti
in una piccola mostra sugli “Anni Romani del giovane d’Azeglio”
al Museo Praz. Questo è una singolarissima casa-museo che ospitò
per anni il grande letterato, linguista e critico Marco Praz e che dopo
la sua morte fu trasformato in museo. E’ un grande appartamento
in Palazzo Primoli stipato, a somiglianza del Vittoriale, di quadri,
statuette, disegni, incisioni, mobili in un pittoresco e affastellato
disordine. Il legame tra Praz e d’Azeglio è esile: è
il catalogo di una mostra sul pittore tenutasi a Torino, che il letterato
visitò il 29 maggio 1951, conservato nella biblioteca del museo
e la somiglianza tra l’opera giovanile del d’Azeglio e i
tanti dipinti similari che affollano le pareti dell’appartamento.
I quadri del giovane pittore piemontese esposti sono una decina, un
autoritratto e vari paesaggi che illustrano la Roma degli anni della
Restaurazione, le sue rovine, il verde delle sue ville, il suo popolo;
sono in qualche caso anche testimonianza di un mondo sparito che ha
lasciato una profonda impronta della sua bellezza e della sua armonia.
E’ un aspetto inedito di quello che è considerato un austero
Padre della Patria ed un piacevole piccolo viaggio nella Roma di quasi
due secoli fa uniti ad una interessante visita ad una casa-museo ricca
di oggetti a ancor più di atmosfere.
Roberto Filippi
Museo Mario Praz via Zanardelli 1
Dal 21 ottobre 2005 al 26 febbraio 2006
Tel, 06.6861089
|
 |
Il
Colore del Fasto
Palazzo
Altemps
|
| |
Il titolo è “ il colore del fasto” ed effettivamente
colore e fasto sono la nota dominante della mostra che si tiene a
Palazzo Altemps a cura della Soprintendenza Archeologica di Roma e
che espone i reperti ritrovati in occasione dei lavori compiuti, prima
del Giubileo del 2000, per la costruzione del grande parcheggio sotterraneo
adiacente al Traforo Amedeo d’Aosta. I lavori all’epoca
furono molto discussi, ci fu chi accusò autorità e scavatori
di aver distrutto reperti di grande valore e forse qualcosa di vero
c’è in questa voce, ma molto è stato salvato anche
se gli ambienti scavati sono stati demoliti dopo aver rimosso quanto
asportabile. Secondo fonti di epoca classica nella zona dell’Ager
Vaticanus sorgevano alcune ville lussuose appartenenti a famiglie
di rango senatorio, fra esse quella di Agrippina Maggiore nipote di
Augusto e madre di Caligola e quella di Domizia zia di Nerone che
la fece uccidere per ereditarne l’immenso patrimonio; sotto
l’Ospedale di Santo Spirito sono visibili resti di murature
romane attribuibili a qualcuna delle ville sopra citate. Durante i
lavori per il parcheggio sono stati rinvenuti locali decorati con
affreschi a finte architetture con motivi decorativi a figure che
sono stati staccati ed ora sono in mostra; in uno degli ambienti è
stata rinvenuta una raccolta di materiali marmorei lavorati, accuratamente
accatastati come per un uso successivo anche se si ignora cosa l’abbia
impedito. Sono circa cinquecento pezzi di marmo bianco o colorato
che si stima fossero appartenuti ad un unico complesso edilizio in
costruzione o in ristrutturazione e che danno l’idea, come si
nota in alcune ipotesi ricostruttive, di grande lusso unito ad un
elevato gusto estetico. Si segnalano tra il centinaio di pezzi esposti
un paio di grandi capitelli in marmo rosso antico con inserti di altre
qualità, alcuni capitelli in marmo bianco di stile corinzio
ed altri piccoli raffiguranti delfini. Sono da notare un pregevole
ritratto di Afrodite e bellissime e rare lastre di alabastro orientale
usato per decorazione. Si tratta di pochi resti che tuttavia danno
l’esatta immagine di quale dovesse essere lo splendore della
ricca villa romana tra il I e il II secolo d.C. di cui peraltro si
ignora l’eventuale storia successiva. La mostra ben si inserisce
in quel gioiello rinascimentale che è il Palazzo Altemps fatto
terminare, dopo lunghi lavori protrattisi per quasi un secolo, dall’omonimo
Cardinale nella seconda metà del cinquecento con un magnifico
cortile porticato, un imponente scalone e molte sale nelle quali restano
purtroppo pochi resti dell’originale decorazione pittorica.
Dopo varie vicende che lo condussero ad un grave degrado il Palazzo
è stato acquistato dallo Stato che lo ha assegnato alla Soprintendenza
Archeologica di Roma che ne ha curato il restauro e lo ha destinato
a sede di raccolte storiche di statue antiche; è esposta la
Collezione Ludovisi con decine di opere notissime sin dal ‘500
e i resti delle Altemps, Mattei e Del Drago smembrate dalle vicissitudini
storiche. Pezzi di rara bellezza e di grande interesse sono: il Galata
Suicida, il Grande Sarcofago Ludovisi, un rilievo in marmo rosso antico,
il discusso Trono Ludovisi, l’Ares, l’Oreste ed Eletta,
l’Hermes, il Dioniso con Satiro, tutte di origine romana con
ampi restauri ed integrazioni effettuati nel ‘600 da celebri
scultori. Degno di nota è un imponente camino cinquecentesco
con lo stemma degli Altemps e la Cappella con il sepolcro, in una
antica vasca, di Papa Aniceto unico pontefice seppellito in una dimora
privata. In sostanza una mostra interessante in un altrettanto interessante
contenitore.
Roberto
Filippi
|
| |
e
ancora.....
François-Marie Banier. Perdre la tête
27 ottobre 2005 - 9 gennaio 2006
Accademia di Francia
- Villa Medici
Viale Trinità di Monti 11
Tel. 06-6761209
Orari: 11-19, martedì chiuso
|
| |
|
| |
Picasso e la sua epoca
Fino all'8 gennaio 2006
Fondazione Memmo
Palazzo Ruspoli
Via del Corso 418
Tel. 06-6874704
Orari: mar-dom 9:30-20:30, gio-ven-sab 9:30-23
|
| |
|
| |
Degas. La famiglia Bellelli
2 ottobre 2005 - 22 gennaio 2006
Galleria Nazionale
d'Arte Moderna
Via delle Belle Arti 131
Tel. 06-322981
Orari: 8:30-19:30, lunedì chiuso
La GNAM di Roma
arricchisce il percorso espositivo presentando uno dei capolavori giovanili
di Edgar Degas. Si tratta della Famiglia Bellelli, di proprietà
del Musée d'Orsay. Realizzato tra il 1858 e il 1867, il quadro
raffigura la zia di Degas, suo marito e le figlie. Il taglio del dipinto,
decisamente originale, sembra render conto delle tensioni interne al
gruppo familiare. Accanto all'opera di Degas, sono esposti altri ritratti
dello stesso periodo, realizzati da Fattori, Abbati, Morelli, Toma,
Cecioni.
|
| |
|
| |
Wolfgang Laib
14 ottobre 2005 - 9 gennaio 2006
MACRO - Museo d'Arte
Contemporanea di Roma - ex Fabbrica Peroni
Via Reggio Emilia 54
Tel. 06-671070400
Orari: mar-dom 9-19, fest 9-14, lunedì chiuso
La ricerca dell'artista
tedesco Wolfgang Laib, uno dei più conosciuti a livello internazionale,
segue percorsi e materiali inediti quali polline, riso, cera, latte.
Elementi naturali e carichi di energia coi quali dà vita a quelle
che possiamo chiamare "eco-installazioni". Forte è
infatti il riferimento all'ecologia, ma anche alle filosofie orientali.
|
| |
|
| |
Dalla Collezione
14 ottobre 2005 - 9 gennaio 2006
MACRO - Museo d'Arte
Contemporanea di Roma - ex Fabbrica Peroni
Via Reggio Emilia 54
Tel. 06-671070400
Orari: mar-dom 9-19, fest 9-14, lunedì chiuso
|
| |
< |
